1. Radiohead - In Rainbows : Una vez mas una de las mas grandes bandas del siglo pasado a sobrepasado las espectativas y roto con lo moldes que ellos mismos antes habian creado. In Rainbows es el séptimo álbum de estudio del grupo musical británico Radiohead. El álbum fue lanzado inicialmente el 10 de octubre de 2007 como una descarga de ficheros MP3 sin ninguna protección DRM y permitiendo pagar al usuario la cantidad que creyese conveniente. Radiohead have made a record. So far, it is only available from this website. Con estas palabras, la banda firmo uno de los desplantes mas importandes e historicos a la industria discografica. Desafiando todas las leyes de mercado, el séptimo disco de estudio de Radiohead no fue lanzado en formato fisico sino que se ofrecio a traves de su site. http://www.inrainbows.com/
La gente de Radiohead ha optado por profundizar en su raíces desde el rock distorsionado de Pablo Honey a la angustia existencial de y la electrónica experimental de Kid A, ha mecido sus canciones en un cóctel orgánico que suena más humano que nunca, le han añadido una poderosa sección rítmica, y de ello han salido 10 joyas con diferentes texturas pero mismo sabor que componen un disco homogéneo que sin duda se sitúa entre lo mejor de la banda. Las canciones son todas excelente, desarrollando un mundo sonoro y lírical creado en etapas. Cada sonido en cada canción tiene razones de ser. Son como estratos sonoros mezclados para crear hermosas armonías que a veces chocan entre si. La música y la voz son mezcladas perfectamente, y forman una pareja maravillosa. Dando vida a temas únicos, canciones que comienzan en digital y terminan con un piano, como el disco en si que nos da la bienvenida con un claustro de sonidos digitales, y se despide con una transición instrumental a digital simplemente hermosa. A pesar de su fuerte carga postmoderna puede llegar a seducir varios oídos permitiéndoles degustar un poco más el post-rock, pues las composiciones son hermosas, las melodías buscan la belleza y algunos traces proveen un intensa experiencia sonora como “15 Step” con su breakbeat y su poderoso bajo o “Bodysnatches” con su complejo esquema rítmico y una fuerte dosis de psicodelia en las guitarras de Johnny Greenwood. La piedra angular del disco es 'Nude', una estratosférica composición que destila calidez gracias a un aroma trip hop, un bajo penetrante y una melodía que te arrastra hacia otro mundo. Desnuda, empática, brillante, es una de las piezas más arriesgadas del disco, que al lado de 'Weird Fishes/Arpeggi' o '15 Step', mucho más deudoras de su propio sonido exhibido en Hail To The Thief, encajan en la intención ya explicada de mantener las coordenadas expuestas pero ensanchar las miras. El resto del In Rainbows gira en torno a temas más lentos con efectos atmosféricos para las voces de Thom Yorke, guitarras minimalistas y bajos que marcan las cambios en las secuencias electrónicas. Incluso se incluyen algunas bellas orquestaciones como en "Faust Arp".
2. LCD Soundsystem - Sound of Silver : Nueva York ha resurgido, y desde luego una de las personas responsable de ello es James Murphy artífice de LCD Soundsystem. Tras convertirse en los salvadores de la escena electrónica hace dos años gracias a temazos como 'Tribulations' o 'Losing my edge', LCD Soundsystem vuelven con 'Sound of silver'. Junto a ellos, otros grupos de indie rave o new rave, como !!! o Klaxons, están haciendo bailar a los rockeros. Con Sound of Silver, su nueva entrega, Murphy nos recuerda que tiene la capacidad y el talento para inventarse y reinventarse a sí mismo, a su banda y a su estilo. Como él bien lo explicita, su música es punk/funk/disco-house, una patada a los parámetros cómodos del pop y un claro manifiesto de que lo bueno de la historia de la música debe recuperarse para así crear algo completamente nuevo. Es exactamente en este último punto, el de la novedad, en donde hay que buscar a estos nuevos LCD Soundsystem e intentar validarlos, ya que si bien Sound of Silver nos puede hacer recordar el anterior trabajo de la banda, hay que pensar la inventiva de Murphy como una propuesta a largo plazo.
Asi, este nuevo compendio de canciones de LCD Soundsystem no deja de sorprender y de ser una grata explosión de baterias protagonistas, bajos sintetizados y guitarras robadas del punk, junto al peculiar timbre vocal de Murphy que lleva el timón de los tracks de manera casi permanente conformando líneas melódicas que se alejan de fórmulas aseguradas, para lograr una atmósfera que atrapa al oyente y que da coherencia a los tracks. Ellos cierran una circularidad sonora que hace pensar que, sea cual sea el estilo que inventaron, lo inventaron bien. 
3. Bjork - Volta: Volta es una apuesta por la sencillez de las músicas antiguas: ritmos claros que a veces nos recuerdan a las marchas militares y a veces a las danzas tribales. Björk ha comentado que se debe a su descubrimiento de una visión menos religiosa y más científica del ser humano. Su recategorización como animal ante todo, realidad de la que nos suelen alejar las filosofías.
La vanguardista islandesa, tiene ese sello particular, de innovar en cada placa, ya demostrado en "Medúlla", que fue realizado completamente por voces, sin ningún instrumento, invitando a Rahzel que realizo las bases con Beat Box y además fue parte el hiperquinético Mike Patton. Toda esta frescura innovadora continúo en la senda creativa de Björk y "Volta" no es la excepción, desde la primera hasta la última nota se aprecia la conceptual estampa sonora de la cantante. Bailable y alegre, con interludios que mezclan canciones con los sonidos de barcos que zarpan y echan anclas, sirenas en la niebla, aves marinas y el sonido de un tren, “VOLTA”, el último capítulo en la cambiante carrera de Björk, que supone un nuevo despegue para la artista. Estamos frente a un finísimo trabajo en bajo y en percusiones así como también en la estructuración de todas las voces en juego, siguiendo la astucia de su disco anterior Drawning Restraint 9 (OST 2005) y del mismo Medùlla. Las sintetizaciones más agresivas pueden llegar a ser incluso bailables, mientras que la orquestación, esta vez casi sin cuerdas, está protagonizada por un vasto conjunto de trompetas e instrumentos de viento que recuerdan aquellas canciones de Selmasongs (OST 2000), de Debut y de Post (1995), cuyo tema ‘I miss you’ encierra varias claves para entender el nuevo álbum. El arpa, constante piedra angular de su discografía y cuya máxima expresión es Vespertine, también tiene una presencia en ‘I see who you are’ y en ‘My juvenile’ (con la voz de Antony acompañándola). De esta manera, Volta es un disco que posee varios estilos mezclados y revueltos, desde el hip hop a la orquestación, desde el R&B a la ópera, desde la indietrónica hasta el melodrama, sin reposar sobre ninguno en preponderancia sino sobre la idiosincrasia de esta extraña criatura, cuyos gustos siempre avecinan lo que las generaciones pop venideras podrán digerir de manera más fácil. Porque, es cierto, los discos de Björk son difíciles y poco digeribles.
4. UNKLE - War stories: A 4 años de distancia de “Never, Never Land” y a casi diez de su aclamado debút “Psyence Fiction”, James Lavelle toma una vez más las riendas de el proyecto que inició en 1998 al lado de Dj Shadow, y que ha logrado reunir a colaboradores de la talla de Thom Yorke, Richard Ashcroft, Ian Brown y Gavin Clarke a lo largo de casi una década. En “War Stories”, los colaboradores que acompañan a Lavelle no le piden nada a las alineaciones anteriores. Basta nombrar a Ian Atsbury de The Cult en “Burn My Shadow” y “When Things Explode”, a Josh Homme de Queens Of The Stone Age en “Restless” y a 3D de Massive Attack en “Twilight” para darnos una idea del calibre de esta producción.
La innovadora fusión de electrónica, hip hop, y rock experimental que le valió a U.N.K.L.E. el reconocimiento generalizado por parte de la critica musical en su primer álbum, está de vuelta con “War Stories”, una placa que a diferencia de sus predecesoras ofrece al escucha un sonido más digerible y con buen balance entre las bases rítmicas generadas a partir de percusiones orgánicas y beats generados con sampleos y programaciones digitales. El resultado final de esta disco retrata la obscuridad que vivimos estos días y la forma en la que frecuentemente ni siquiera la percibimos. Pero que a pesar de todo, siempre nos afecta. Hay depresión, hay melancolía, hay amor y también mucha carga espiritual en el sentido de que la vida va retribuyendo a todas tus acciones de una forma consecuente. Quizá para algunos este disco no tenga el mismo impacto que cuando se debutara con Psyence Fiction pero creo que con tiempo se podría ver como una obra clásica de la talla de Mezzanine de Massive Attack, el Maxinquaye de Tricky u otros, sólo que en un contexto nuevo y distinto. Como resultado de ello nos da una colección de canciones vanguardistas llenas de energía que te enganchan desde el primer minuto del disco para no soltarte jamás. 
5. Amy Winehouse - Back to black: Heredera de infinidad de sonidos retro, Amy Winehouse no hace sino confirmar el talento, la heterogeneidad de registros y la riqueza sonora que demostrara en su disco debut. Si con 'Frank' sorprendió a propios y extraños y se atiborró de premios y alabanzas, este 'Back To Black' no parece que vaya a cambiar la visión de esta chica.
Y es que de tal mezcla inteligente de gospel, soul y jazz sólo puede salir lo que sale, un disco grandioso. Si Christina Aguilera lo hace bien en "Back to Basic", Amy logro convertirse en una leyenda. Sí, es verdad que Winehouse no inventa nada, pero lo que reinventa lo hace mejor que bien, consiguiendo captar la atención desde los primeros compases de 'Rehab'. 'Back To Black' además supone un paso hacia delante en la senda de un sonido propio y característico del Reino Unido, que antes tenía entre sus principales estandartes a Craig David, Lilly Allen, Corinne Bailey Rae o Mys Dynamite y a la que ahora se une este nuevo talento. “Yo no quería hacer más jazz otra vez. Estaba aburrida de las estructuras de acordes complicados y necesitaba algo más directo. He estado escuchando mucha música de grupos de chicas de los cincuenta y los sesenta. Me gusta la simplicidad de aquella música. Da en la diana.” Se puede escuchar en la sutil referencia a las Supremes en “Back To Black”. Pero su búsqueda se extiende aún más allá. Mientras que los grupos femeninos de los sesenta por los cuales se ha sentido cautivada, contenían sus voces, Amy se libera con el estilo vocal de Aretha en “Just Friends” o en “Rehab”. “Love is a Losing Game” es una composición moderna puramente clásica: breve y empapada de emoción. Otros puntos álgidos del disco incluyen la canción inspirada en Nas, “Me and Mr Jones”, la hermosa “Wake Up Alone”, “I’m No Good”, la epifanía personal que nos habla de poder comportarnos tan mal como esos tipos que nos han causado daño y nos han dejado huella, y la cariñosa canción de estilo blues “Back To Black”.
6. Arcade Fire - Neon Bible: No es fruto de la casualidad que el título del nuevo disco de Arcarde Fire sea idéntico al de "la otra" novela de John Kennedy Toole, el malogrado autor de La conjura de los necios. Para quien lo desconozca, Toole se suicidó en 1969 tras la negativa de unos editores a publicar La conjura, libro que, consideraron, no trababa de nada. En 1980 conseguía el premio Pulitzer. Mucho tiempo antes, siendo todavía un adolescente, escribiría La Biblia de Neón, una crítica satírica de un pueblo dominado por el fanatismo religioso. Rodeados de este mismo halo de desgracia, tremendismo y dolor, y la apoteosis acústica que ya acompañó su disco debut, Funeral, regresan de nuevo los canadienses.
Las nuevas y emotivas canciones que se incluyen en esta Neon Bible fueron concebidas en una pequeña iglesia del siglo XIX situada a las afueras de Montreal, grabadas en directo al estilo de los viejos discos de los 60 y con la colaboración del legendario productor Bob Johnston (responsable del Blonde On Blonde de Bob Dylan o Songs Of Love And Hate de Leonard Cohen, por poner dos ejemplos). Como en Funeral, conforman el esqueleto musical del disco diversos instrumentos como organillos, bombos de metal, acordeones, flautas e, incluso, un órgano de iglesia. Como en su disco debut, detrás esos sonidos repletos de vitalidad y épica (bien entendida) encontramos una letras plagadas de historias oscuras y trágicas.
Lo primero es entender que Neon Bible es muy distinto a Funeral (Merge, 2004), sin perder principios claves y acumulando la experiencia de los conciertos. Rayos desordenados disparados al cielo, un fino hilo de racionalidad bajo la urgencia y el frenesí, oscuridad desde el fondo y muchos segundos incendiados en un juego carnavalesco y alucinado. Pasión religiosa de blues y baladas que transmutan en corrientes de post-punk y new wave (menos ahora) y un pop sinfónico que puede recordar las ambiciones de Mercury Rev con el alboroto caricaturesco de Arhictecture in Helsinski. La comunidad de Arcade Fire sigue tomándose muy en serio, y se juegan el todo o nada, con una consistencia brutal que no da tiempo a los baches, cubriendo todo de una emoción instrumental que encuentra un faro lírico en Win Butler (guitarra y voz). Arcade Fire es único en su estilo pop-punk de múltiples influencias, pero esta vez lo han extremado, perdiendo elegancia y sutileza en el entramado total. Neon Bible se diferencia naturalmente de Funeral, porque no tendría razón emular un disco tan singular y porque significa un nuevo salto sin red.
7. M.I.A. - KALA: Maya Arulpragasum, más conocida como M.I.A., es el ejemplo perfecto de que ahora se vuelve a llevar eso de samplear, aunque su caso sea particular por las influencias africanas y por tener un talento innato para cantar lo que la plazca. Mezclando ragga, hip hop, dancehall, grime, electrónica e incluso reggaeton, las canciones de M.I.A. son una avalancha que no respeta fronteras. Se pasea con total libertad por los estilos y se asegura de incluir en sus letras mensajes explícitamente críticos que apuntan contra las barreras sociales, los conflictos bélicos, la desigualdad, la injusticia y en contra de todos los atropellos a los derechos humanos que ella experimentó en carne propia mientras vivió con sus abuelos en Sri Lanka, en la más extrema pobreza -escapó de la guerra civil a India y luego a Londres, en donde entró en contacto con la música occidental-. Si con "Arular" (el nombre de su padre) consiguió acabar en boca de todos, ahora saca este "Kala" (el nombre de su madre) con gente tan opuesta como el archiconocido productor Timbaland o el ampliamente desconocido Afrikan Boy, por poner dos ejemplos. M.I.A., es una inglesa de ascendencia tamil que mezcla rap, dancehall, miami-bass, baile funk, música tradicional india y electro, todo eso acompañado con una estética tercermundista, letras combativas y un look "me cago en la elegancia" que está a años luz de la ostentación menemista de sus pares yanquis.
Kala suena tan bien como su predecesor, los arreglos electrónicos y las sintetizaciones están al servicio de cada tema y le dan un sustento, base sobre la cual las voces de M.I.A. se levantarán contra el enemigo que toma diferentes formas: el capitalismo, las diferencias raciales y en general todos los mecanismos de poder, incluyendo el mercado comercial que consume su música y la pone en las listas junto a Timbaland y asociados. Aunque ella no pueda entrar físicamente a EE.UU porque le negaron la visa, hits como ‘Boyz’ o ‘Birdflu’ luchan codo a codo con las producciones derivadas del R&B y del hip hop norteamericano. En ese sentido las reflexiones que la música de M.I.A. busca producir en el oidor se ven amenazadas, porque resulta problemático en ese contexto completamente mainstrem repensar las consecuencias de la colonización y de los monopolios culturales, ya sea para poner en entredicho el proceso de globalización o para arremeter contra los grandes íconos imperialistas. Sin embargo, mientras seguimos tratando de digerir las líricas y de reaccionar ante su arremetida feroz, ahí están los ritmos en ebullición que no permiten mirar hacia otro lado. La música de M.I.A. simplemente no puede dejar a nadie en aguas tibias sin ganas de moverse. Desde este punto, Kala continúa esa obligación musical que incita a la acción, aunque esta vez está más apaciguada.
8. Kanye West - Graduation: Graduation parece ser el definitivo intento de West de abrir el hip hop a nuevas audiencias intensificando su vertiente melódica. Uno de los principales problemas del hip hop es que no se puede tararear en la ducha, especialmente cuando es en un idioma diferente. Transmite mucha información, tiene muchas palabras, intensifica el ritmo con la rima, pero por todo ello satura a los no iniciados. Como si fuese consciente de ello –y quien lo va a ser si no él, que se ha hecho un nombre como productor del género- Kanye West construye sus temas con brutal intensidad melódica. Los raperos ortodoxos recurren a los grandes nombres del soul y el funk para crear las bases, pero West no tiene recato alguno en echar mano de un tema de Elton John o de Steely Dan. Más llamativo todavía, se atreve a poner al lado de tanta sofisticación y melodía el ritmo sintetizado de Daft Punk o el minimalismo experimental de los alemanes Can. Con ello saca al hip hop de la maraña rítmica y, al tiempo, lo hace más cosmopolita y lo acerca a otros géneros. West muestra una notable cultura musical y una muy destacable ausencia de prejuicios sonoros. Si además unimos la maestría en el oficio de la producción, estamos ante un disco más que sorprendente y un muy buen camino para iniciarse en el rap desde unos oídos pop. (Texto Héctor Fouce)
Kanye West va un paso más allá, en esa progresión que comenzó con su debut ‘The college Dropout’ y se llena de influencias un tanto eclécticas, se mezclan U2, Daft Punk o The Rolling Stones. Con la polémica suscitada por salir el mismo día que el album de 50 Cent (11 de Septiembre), Kanye afronta un importante 4º disco en solitario, con el que romper los records de ventas en todo el planeta. Para ello Kanye se ha rodeado de gente en alza, como Lil' Wayne o T-Pain, de expertos como Dj Premier en la producción, y ha experimentado incluso con Daft Punk. Es un disco sobresaliente, las producciones son increiblemente buenas (y sorprendentes algunas), e incluso se permite el lujo de experimentar con música electrónica. En definitiva que Kanye West nos ofrece un disco bastante creativo, fácil de escuchar y con melodías, algo que parecía muy difícil en el hip hop hasta hace poco tiempo. Total, que es muy recomendable.
9. PJ Harvey - White Chalk: Después de 15 años de carrera, PJ Harvey cambia de registro y se arriesga con White Chalk, un álbum muy personal, melódico e inquietante, que se sitúa al opuesto de sus discos anteriores en los que reinaban las guitarras eléctricas y las baterías potentes. La “dama” del punk deja una vez más patente su talento y el inmenso potencial de su voz. No hay ni guitarra ni blues. Recién llegada al piano, lo convierte en el eje de una obra que apela al folk de cámara con una frialdad victoriana. Ella canta casi todo el rato con una voz de soprano adolescente y sus registros altos acentúan la sensación fantasmagórica y de viento helado que recorre los temas. En White Chalk da un giro radical de su anterior álbum Uh huh her. Este nuevo disco es básicamente de piano, con muy pocos elementos extras, y desprovisto de adornos en lo instrumental, abandonando casi totalmente las guitarras. Es un disco que engancha por su sobriedad, más que por su fuerza. En “White Chalk” se cuentan historias sobre notas suicidas y entierros de niños que han llegado a nacer. Está acompañada por su inseparable John Parish en labores de mano derecha y respaldada por un equipo reducido (Jim White y Eric Drew Feldman), que le cubren la espalda instrumental de forma casi imperceptible. Su voz alcanza los momentos más agudos de su carrera, dejando de lado sus tonos graves pero intensos. La propia PJ Harvey ha afirmado que aprender a tocar un nuevo instrumento ha provocado que se libere su imaginación. Así, el piano ha abierto una nueva vía de comunicación para la cantante de Yeovil (Inglaterra), donde los techos se mueven (en el single de presentación, "When Under Ether"), los dedos sangran ("White Chalk") y los martillos golpean a las familias desestructuradas ("The Piano"). White Chalk nos ofrece a una nueva Polly Jean. En este caso, sutil, vaporosa y sumergida en las brumas de la tristeza. Pero, en ningún caso, pierde la capacidad para emocionar.
10. Arctic Monkeys - Favourite Worst Nightmare: Si en el 2006 ocuparon el primer lugar del año con sus disco debut, en el 2007 no podian dejar de estar dentro de los 10 primeros. Si Whatever People Say I Am, That's What I'm Not había alcanzado tamañas dimensiones mediáticas, Favourite Worst Nightmare resulta su continuidad lógica. En sus 12 tracks, los Monkeys siguen apostando por su vieja fórmula: guitarras afiladas, arrebatos de post punk sincopado y fervorosos destellos como ‘Brianstorm’, un primer single que ineludiblemente recuerda a The Jam. También hay novedades: el tono intimista con que el cantante Alex Turner aborda un tema como 505 (con piano a la Ennio Morricone) y las excelentes líneas de bajo que imprime por pasajes el nuevo integrante Nick O’Malley. Todavía existen las letras astutas, si en el primer álbum “When the sun goes down” hablaban de un modo muy hábil acerca de la prostitución, ahora en “Fluorescent Adolescent” ya hablan de cómo la ‘madurez sexual’ es sinónimo de ‘amargura sexual’, en la pícara manera que siempre lo hacen “You used to get it in your fishnets /Now you only get it in your night dress /Discarded all the naughtiness for niceness /Landed in a very common crisis”, pero lo que ya no se puede encontrar en su segundo álbum son esas melodías valemadristas, como “Fake tales of San Francisco” o “I bet you look good on the dance floor”, ni su característico humor up-beat post-punk; Favourite Worst Nightmare se llena de elementos como lo oscuro, lo sombrío, lo confiado y lo emocional, logrando hacer lo callado, escandaloso.
Favourite Worst Nightmare, es la manera en que tratan de demostrar que ya no son el grupo de adolescentes rebeldes que buscaba la suerte en los conteos de su MySpace. Con melodías poderosas, arraigadas en la estrepitosa saturación pero que al mismo tiempo cuentan con un orden pegajoso, que se puede convertir en hipnótico por los ritmos rimbombantes que se llevan a lo largo del álbum. Un poquito más oscuros y menos poppy que en su esfuerzo anterior, los Arctic Monkeys apuestan una vez más a la potencia de la clásica estructura rocker de bajo-guitarra-batería y a la desestructura particular que, como en una montaña rusa, altera constantemente su velocidad y recorrido en cada tema desdibujando cualquier horizonte de lo previsible. Sin impactar ni decepcionar, esquivan la presión de las expextativas con una inteligente actualización de su sonido.
COMPLETE LIST
- Radiohead - In rainbows
- LCD Soundsystem - Sound of Silver
- Bjork - Volta
- U.N.K.L.E. - War Stories
- Amy Winehouse - Back to black
- Arcade Fire - Neon Bible
- M.I.A. - Kala
- Kanye West - Graduation
- PJ Harvey - White Chalk
- Arctic Monkeys - Favourite Worst Nightmare
- Spoon - Ga Ga Ga Ga Ga
- Bloc Party - A Weekend In The City
- Feist - The Reminder
- Timbaland - Presents: Shock Value
- Against Me! - New wave
- Foo Fighters - Echoes, silence, patience & grace
- Mika - Life in a Cartoon Motion
- Justice - + (Cross)
- Brett Anderson - Brett Anderson
- Siouxsie - Mantaray
- The White Stripes - Icky Thump
- Panda Bear - Person Pitch
- Animal Collective - Strawberry Jam
- Soulsavers feat Mark Lanegan - It's Not How Far You Fall, It's the Way You Land
- Devendra Banhart - Smokey Rolls Down Thunder Canyon
- Cocorosie - The Adventures And The Ghosthorse Of Stillborn
- Loney Dear - Sologne & Loney, noir
- The National - The Boxer
- Peter Bjorn and John - Writer's Block
- Bright Eyes - Cassadaga
- Wilco – Sky Blue Sky
- Mark Ronson - Version
- Norah Jones - Not Too Late
- Michael Bublé - Call Me Irresponsible
- The Rapture - Pieces of the People We Love
- Jay Z - American Gansters
- Bruce Springsteen - Magic
- Gwen Stefani - The Sweet Escape
- The Gossip - Standing In The Way Of Control
- Klaxons - Myths of the near future
- Alicia Keys - As I am
- Joss Stone - Introducing Joss Stone
- Linkin Park - Minutes to Midnight
- Chris Daughtry - Daughtry
- Nine Inch Nails - Year Zero
- Client - Heartland
- Air - Pocket Symphony
- Dave Gahan - Hourglass
- Kaiser Chiefs - Yours Truly, Angry Mob
- Gus Gus - Forever
- Liars - Liars
- Smashing Pumpkins - Zeitgeist
- Kelly Jones - Only the Names Have Been Changed
- Lil Wayne - Da Drought 3
- The Coral - Roots & echoes
- Menomena - Friend and Foe
- Fall Out Boy - Infinity on high
- Dolores O'riordan - Are You Listening?
- Duran Duran - Red Carpet Massacre
- Good Charlotte - Good morning revival
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